martes, 29 de diciembre de 2009

De vacaciones....

Esperenme hasta enero. Falta Poco!!!!!!

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sábado, 19 de diciembre de 2009

Adios Pilo



Pilo nos dejó la mañana del 17 de diciembre. Quiero recordarlo junto a ustedes escuchandolo cantar ya que será su música lo que me acompañe de ahora en más.

Les dejó este vídeo del show que dimos en el Condado junto a Claudia Puyó a fines del año 2004. Este fué el cierre con un par de invitados de lujo, El Vazco Gustavo Bazterrica en guitarra y Fabiana Cantilo en voz.

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Robin Trower

Les dejo un vídeo de Robin Trower, genial guitarrista ingles surgido en los años sesenta. hacia fines de esta década integró el grupo Procol Harum y ya en los años 70 lo encontramos liderando su trió. Es realmente difícil entender como un guitarrista de su genio sea prácticamente un desconocido para muchos. Yo mismo lo descubre hace pocos días a raíz de una charla con el tecladista (y amigo) Guille Trapani.

Elegí dejar una versión actual de su clásico del año 1974 Bridge of Sighs fundamentalmente por la calidad de su audio. De todas formas les recomiendo busquen en youtube más de este increíble músico.

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domingo, 13 de diciembre de 2009

Flamenco: Alzapúa

Les dejo un vídeo de Jorge Berges donde nos enseña la técnica de alzapúa.
Mas allá de que toquen o no flamenco, la independencia del dedo pulgar es de vital importancia a la hora de tocar solos o acompañando a un cantante, ya que ello nos dará la posibilidad de tocar líneas de bajo y armonía simultaneamente como lo haría un pianista.

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jueves, 10 de diciembre de 2009

Blog Amigo

El guitarrista argentino Jorge Minissale esta llevando adelante un videoblog donde semanalmente nos irá entregando vídeos con lecciones en los que detallará diversos temas relacionados con el aspecto técnico de la interpretación de la guitarra eléctrica.

Les dejo el primer vídeo de esta serie.

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miércoles, 9 de diciembre de 2009

Escuchando el blog

Hemos incorporado una herramienta que podrán ver en el ángulo inferior derecho de cada post. Presionando en la misma podrán escuchar el artículo. Esperamos que esta herramienta resulta de utilidad para toda persona con visibilidad reducida.

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martes, 8 de diciembre de 2009

¡Premiados Nuevamente!

Blog del Mes Noviembre-09

Por segundo mes consecutivo el blog ha sido galardonado gracias al voto de los lectores como blog del mes, en esta ocasión de noviembre, en
Blogs con Eñe.
¡MUCHAS GRACIAS!

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lunes, 7 de diciembre de 2009

Curso intensivo de orquestación y arreglos para cuerdas

Les recomiendo especialmente este curso, que tome hace 2 años atrás, a todos los interesados en familiarizarse con la escritura para cuerdas ya sea a nivel de música clásica como popular. Aun para aquellos que posean conocimientos previos o hasta hayan realizado arreglos para formaciones de cuerdas, tal era mi caso, la sistematización de la información que ha hecho Gabriel Senanes es realmente de suma utilidad y resulta una increíble herramienta para trabajar con este tipo de instrumentos.

Los interesados pueden inscribirse hasta el viernes 11 de diciembre enviando un mail
senanes@fibertel.com.ar.

Les transcribo el programa del curso:

CURSO INTENSIVO DE ORQUESTACIÓN Y ARREGLOS PARA CUERDAS
Y EMULACIÓN DIGITAL EN CONCIERTO Y EN GRABACIÓN

Formaciones:

* en grabación.
* en concierto


Organología:

* instrumental tradicional:


-cuerdas:
-registros:
-dinámica:
-agilidad:
-arco:
-golpes de arco:
-armónicos:
-efectos/-sordinas/misceláneas:

* instrumental digital:


Composición, arreglo, instrumentación:

* Texturas y roles
* Situaciones/contextos instrumentales:

Instrumentación:

* roles lineales de cada sección
* roles verticales de cada sección
* relaciones entre secciones
* solos, divisi, cuarteto, etc.
* distribuciones, disposiciones

* emulación digital: en grabación
en vivo


Fraseo, movimiento e indicación de arcos


Grabación:
con instrumentos tradicionales y digitales

*preproducción
*grabación
*posproducción, edición, mezcla.

Los asistentes recibirán un CD y un libro con partituras con ilustraciones y ejemplos.

Cierre de preinscripción (vía mail): viernes 11 de diciembre.
Cupo limitado


Gabriel SenaneS

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martes, 1 de diciembre de 2009

Pickups - Micófonos

Cuando compramos una guitarra normalmente no es muy común que nos preocupemos por el tipo de micrófonos que trae. A lo sumo elegimos entre simple o doble bobina o una combinación de ambos. Pero quienes alguna vez tomaron la decisión de cambiar sus mics y se adentraron en el mundo de los pickups comienzan a descubrir algo alarmados que un mismo tipo de micrófono, tomemos por ejemplo un doble bobina, puede venir con una enorme variedad de resistencia en sus bobinas, con valores que varían entre 7000 o 15000 vueltas, con imanes, cerámicos o de Alnico II o de Alnico V, activos o pasivos, y una larga lista de etcéteras.

Muchas veces tomar una decisión sobre cual comprar se vuelve una especie de juego de azar en el que uno puede llegar a decidirse luego de tirar una moneda.

Lejos de aclararnos exactamente todas estas diferencias los vídeos que comparto son una extensa nota de 30 minutos a la fabrica Seymour Duncan donde nos cuentas a fondo todas las opciones que la firma fabrica y ofrece aunque sin permitirnos escuchar sus diferencias.

Lamentablemente la nota no esta subtitulada, pero de todas formas resulta bastante ilustrativa.





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sábado, 21 de noviembre de 2009

Voten x Via Varela



Pido vuestra colaboración votando por mi banda, Via Varela, en la encuesta anual del Suplemento Si del diario Clarín. En las categorías Mejor Banda y Mejor Disco aparecemos en el listado de opciones, en las otras tienen que agregarnos a mano.

Para que no voten a ciegas (o mejor dicho a sordas) pueden visitar nuestro space donde están subidos 8 de los 11 temas del disco nuevo. En nuestro canal de Youtube pueden chequear algunos vídeos de la banda. Si buscan hay aun más cosas.



Gracias

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jueves, 19 de noviembre de 2009

Paul Brett

Paul Brett es un guitarrista y periodista inglés que se especializó alrededor del año 1970 en guitarras acústicas y especialmente guitarras de 12 cuerdas. Tiene una gran colección de guitarras antiguas que usa para grabar sus discos. En el vídeo lo vemos utilizando una guitarra acústica de doble mango (6 y 12 cuerdas).

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En el estudio: X - Manejando el presupuesto

A mi modo de ver cuando uno decide grabar un disco lo primero que debe saber es cuanto dinero podrá gastar. En base a esto se tomarán todas las decisiones (de no mediar restricciones económicas ningún músico dudaría encerrarse un mes o más en un estudio consiguiendo los mejores equipos, instrumentos, técnicos, asistentes y etcéteras, a trabajar de manera concentrada diariamente en su obra).

Para decidir como se usa el presupuesto es importante tener en claro todos los gastos que implica la grabación esto es: fletes para llevar todos los instrumentos y equipos al estudio y luego del estudio a donde estaban originalmente, asistentes si es que lo hay, técnico de grabación, productor artístico, horas de grabación de estudio, horas de edición, horas de mezcla, backups de las sesiones (esto incluye el medio de backup hoy día el standard es un disco rígido), mastering. Si decidimos utilizar mas de un estudio también nos consumirá algún tiempo la mudanza de las sesiones (muy rara vez uno lleva una sesión de un estudio a otro y esta abre sin mayores problemas).

Curiosamente en el calculo de gastos casi siempre omitimos el rubro músicos ya que por algún motivo esta casi instalado el tema de que los músicos no cobramos por nuestro trabajo y elijo esta frase como reflexión final para que piensen en ella.

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Weissenborn

La Weissenborn es una guitarra "lap steel" inventada a principios del siglo XX por Hermann C. Weissenborn, luthier alemán radicado en California.

La guitarra es enteramente acústica y su caja de resonancia se extiende aun bajo el mástil. Tuvo popularidad a principios de siglo XX hasta la aparición de las guitarras resonadoras (y posteriormente las eléctricas).

Actualmente el Weissenborn vive una resurrección de la mano de artistas como Ben Harper, John Butler o Xavier Rudd y gracias a luthiers que fabrican estos instrumentos siguiendo sus especificaciones originales.

En el post Ron Wood y sus guitarras de haces pocos días lo veíamos con uno de estos instrumentos. El vídeo que les dejo es de un luthier australiano que construye hoy día estos bellos instrumentos.

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miércoles, 18 de noviembre de 2009

Pat Martino - John Scofield

Pat Martino es uno de los guitarristas más intelectuales dentro de la escena de jazz. Debido a una operación cerebral que tuvo en 1980 perdió la memoria y su habilidad para tocar y tuvo que reaprender desde cero escuchando sus propios discos. En el año 1987 se produce su retorno al mundo de la música y si bien muchos aseguran que nunca recuperó del todo su genio creo que es un admirable ejemplo de fuerza de voluntad (Por otra parte tampoco es que ahora toque mal ni mucho menos solo transcribo el comentario de ciertos fanáticos).

Por otro lado John Scofield es, en mi opinión, uno de los guitarristas mas sanguíneos que podemos encontrar en el mundo del jazz. Su particular manera de tocar buscando siempre la nota de 'al lado' resulta por demas interesante (y para oídos poco entrenados a veces molesta). Es también característica la rítmica entrecortada de sus fraseos.

Este vídeo es durante un concierto de Martino en el año 2001 con Scofield de invitado.

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martes, 17 de noviembre de 2009

Hermeto Pascoal

Hermeto Pascoal, músico, compositor, arreglador, multiinstrumentista, genio etc. etc. etc. Si bien no es un guitarrista, de hecho este vídeo en el que toca guitarra es una verdadera rareza para mi, es uno de los compositores e improvisadores mas importantes e influyentes del siglo XX.

Nacido en Brasil en un pequeño pueblo de campesinos en el año 1936 Hermeto aprendió de manera autodidacta a tocar el bandoneón. A los 8 años de edad tocaba ya en las fiestas de su pueblo y pueblos vecinos. Entre los instrumentos que toca podemos contar piano, flautas, saxos, trompeta, percusión, acordeón, cavaquinho, guitarra y la lista sigue. Mas allá de esto Hermeto es un enamorado de incluir sonidos de la naturaleza en sus composiciones y también sonidos producidos por animales o las mismas voces humanos pero usadas con un concepto que nada tiene que ver con el canto. Usa frecuentemente instrumentos inventados a partir de pavas, caños de pvc, frasquitos de remedio para la tos, fratachos, sartenes, y en realidad cualquier cosa que pueda emitir sonido.

Ha tocado con muchos de los grandes de la música del siglo XX como ser Miles Davis, o Astor Piazzolla y desde ya con los mas grandes interpretes de la música del Brasil como su recordada Jam junto a Ellis Regina en el Festival de Montreaux en el año 1979 donde se encontraron improvisando en el escenario como si estuviesen en un bar tocando para 20 personas.

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lunes, 16 de noviembre de 2009

Ron Wood y sus guitarras

En el vídeo Ron Wood nos muestra sus guitarras en la gira del año 2003 a la vez que nos cuenta en que temas utiliza cada una.

Podemos ver dos stratos una del año 1955 y 1954. Una Gibson Firebird. Una Zemaitis Disc Front que tiene desde la época de The Faces. Una ESP telecaster con B bender, dispositivo que permite ajustar la afinación de la segunda cuerda de si a do# y volver al Si sin desafinar la cuerda. Un Sitar Guitar, fabricado actualmente por la firma Danelectro. Vemos su Weissenborn, un Lap Steel Fender, un Pedal Steel y por último 2 acústicas, una Gibson SJ200 de 1950 y otra que no he podido averiguar que es, al parecer son guitarras artesanales construidas para guitarristas como Ronnie Wood, Bob Dylan, Erica Clapton y George Harrison. Si algún lector tiene datos de este instrumento agradecer los deje en un comentario.

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sábado, 14 de noviembre de 2009

En el estudio: IX - Pro vs. Home

Si estamos por grabar un cd estaremos en una disyuntiva marcada específicamente por el presupuesto que contemos. No existen dudas respecto de la superior calidad de un estudio de grabación profesional respecto de uno casero aunque claro la diferencia en sus costos es realmente grande. Si a esto le sumamos que hoy día la gente escucha la música comprimida en mp3 en parlantes de dudosa calidad muchas veces nos preguntamos si tiene sentido semejante inversión para una calidad de audio que poca gente notará. Este es un terreno casi filosófico que nos lleva a preguntarnos para que hacemos música y en el que no pienso adentrarme en esta nota aunque si los invito a reflexionar acerca de ello. La elección de muchos músicos es una mixtura entre ambos mundos. Esto sería alquilar un estudio de primer nivel para registrar las bases de los temas (esto es en principio baterías y bajo). Con músicos bien ensayados y si los arreglos no son demasiado complejos esto puede resolverse en 2 días de grabación. En estos casos siempre recomiendo recurrir a estudios de primer nivel ya que si bien el precio-hora puede ser mayor es muy común que la rapidez con que se resuelven las cosas en estos sitios nos lleva a un numero final igual o hasta mas económico que en un estudio medio en el que para todo tardamos el doble de tiempo. Si contamos con algo mas de presupuesto y nuestra banda requiere guitarras roqueras y potentes es aconsejable grabarlas también en el estudio (sería impensable una banda como AC/CD usando emuladores) aunque en un material mas pop o con guitarras no tan importantes puede resolverse perfectamente grabándolas en casa.
Luego nos llevamos toda la sesión y seguimos trabajando en otro estudio, para las voces y pequeños instrumentos acústicos existen pequeños estudios excelentemente equipados con nivel profesional a un costo mucho menor.
Otra opción es trabajar directamente en nuestro estudio.

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viernes, 13 de noviembre de 2009

¡ FELIZ CUMPLEAÑOS !

Y si. Crease o no el blog cumple 2 años y comienza su tercer año de vida.
En estos dos años se han posteado mas de 220 artículos relacionados con la guitarra y su sonido.

El blog cuenta al día de hoy con más de 157.000 visitas!!! 37 seguidores en blogger, mas de 100 seguidores en facebook, mas de 140 suscriptos via feeds. Como regalo de cumpleaños en el mes de octubre de 2009 recibe el premio al blog del mes por parte de Blogs con Eñe.

En poco tiempo de iran enterando de novedades para el trasncurso de este tercer año de vida que comienza hoy.

Seguimos creciendo!

Gracias!

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jueves, 12 de noviembre de 2009

En el estudio: VIII - ¿Cuantos canales puedo usar?

Si bien es cierto que en estudio uno puede abrir canales y grabar guitarras, voces, vientos, cuerdas, y miles de etcéteras es importante decidir de antemano si buscamos un disco que sea reproducible en vivo o no. La respuesta a esta pregunta es la que determinará hasta que punto se usaran o no estos recursos en la grabación.

Es muy común hoy en día que los músicos disparen en vivo secuencias con las grabaciones de estas partes grabadas ( que nadie toca en vivo ) y no se preocupen por esto. Otros consideran inadmisible que suene en vivo algo que no esta tocando nadie y se abstienen de utilizar estos recursos. Por último están los que consideran dos mundos distintos la música de estudio y la música en vivo y aprovechan al máximo las ventajas y limitaciones de cada situación sin pretender que suenen de la misma forma. Estas son las opciones, las decisiones corren por vuestra cuenta.

Mas allá de esto es deseable que cada instrumento tenga su propio canal e incluso varios. Un baterista puede usar normalmente 10 canales, un guitarrista puede microfonear su equipo con varios microfonos y utilizar un canal para cada uno de ellos. De todas formas es bueno siempre tener presente que muchos de los grandes discos de rock se han grabado con una cantidad mínima de canales. Toda la década del 70 y gran parte de los 80 se grabo como mucho en 24 canales. Sgt Pepper, de los beatles, uno de los puntos mas altos en la historia de la música pop/rock del siglo XX se grabo en tan solo 4 canales!!!.

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viernes, 6 de noviembre de 2009

Carlé Costa

Les dejo un vídeo Carlé Costa, guitarrista nacido en Uruguay y criado en Argentina quién desarrolla en sus composiciones un abordaje de la guitarra desde un concepto de musica contemporánea. Carlé se ha movido dentro del campo de la música experimental y la improvisación participando en diversas agrupaciones de cámara y multimediáticas.

Según palabras del propio Carlé lo único que cuenta en una obra es su "calidad" (síntesis viva de espíritu, personalidad, organicidad, originalidad, elegancia, equilibrio y carácter).

En el vídeo podemos escuchar el último movimiento de la Sonata nº 2 en homenaje al compositor Alfred Schnittkede de su autoría.

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lunes, 2 de noviembre de 2009

¡ PREMIADOS !

El blog sonido de guitarras gracias al voto emitido por sus lectores ha sido galardonado con el premio de blog del mes en Blogs con Eñe. En la barra de la derecha pueden ver el premio.

Muchas gracias a todos por Votarnos!!!!!

¿ Vamos por mas ?

¡ Sigan votando el blog !

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domingo, 1 de noviembre de 2009

En el estudio: VII - Uso del metrónomo

A esta altura de la historia es absolutamente inadmisible una grabación desafinada y/o fuera de tempo. Es fundamental grabar pero sobre todo ENSAYAR con metrónomo y no solo el baterista sino todos los músicos. Considero este punto de altísima importancia ya que cuando esto no sucede lo normal es que en el estudio de grabación se arreglen estos problemas con herramientas como ‘beat detective’ disponibles para pro-tools. Estas herramientas le quitan todo el toque humano a la música. Cada vez es mas frecuente escuchar bandas que suenan todas iguales y esto es uno mas de los tantos factores de que ello suceda. El manejo del tiempo del ser humano no es en absoluto parecido al de una maquina. Esta lleno de pequeñas imperfecciones que son las que dan su toque, su personalidad. Si escuchan por ejemplo a Charlie Wats en detalle o mas aun lo analizan gráficamente con algún editor de loops como Acid de Sony, verán que es extremadamente pulcro en cuanto al tiempo del primer bombo de cada compás mientras que el resto de los golpes se encuentran ligeramente retrasados, ni hablar si analizamos el particular swing de Ringo Starr donde dentro de su aparente desprolijidad encontraremos una perfección increíble. Ringo al tocar da la sensación de que todo esta por derrumbarse, sin embargo esto nunca sucede. Uno de los pasajes mas increíbles que les propongo escuchar son los feels del puente que une estrofa con estribillo en ‘Oh Darling!’ (Abbey Road) donde Ringo parece apurarse de manera descontrolada. Al salir al estribillo el tempo es exactamente el mismo que el de la estrofa. Esto es estilo, personalidad, algo que los arreglos con maravillosos plugins destruyen 100%.

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sábado, 31 de octubre de 2009

La Balalaika

La balalaika es un instrumento tradicional del folklore ruso perteneciente a la familia del laúd. Tiene un cuerpo triangular, con una pequeña boca de resonancia cerca del vértice superior de la tapa, un mástil largo y estrecho y tres cuerdas de tradicionalmente de tripa que se tocan con los dedos de la mano derecha aunque también pueden pulsarse con púa o plectro.

Existen seis tamaños distintos que van desde el piccolo al contrabajo. Sus cuerdas mas graves se afinan al unísono y la tercera a una distancia de cuarta; por ejemplo, la balalaica más tradicional, la soprano, se afina en mi4, mi4 y la4.

Su ejecución permite pasajes de inmenso virtuosismo permitiendo punteos, pizzicatos, trémolos y todas las técnicas de la guitarra clásica.

Les dejo un vídeo para disfrutar la increíble sonoridad de este bellísimo instrumento.


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En el estudio: VI - Experimentando

Si bien puede ser muy estimulante y atractivo experimentar en el estudio, a no ser de que dispongamos de un gran número de dinero para invertir en la grabación es una actividad para nada aconsejable por su altísimo costo.

Todo músico debe saber perfectamente lo que va a tocar para no perder tiempo y por ende dinero.

Recuerdo haber leído en un reportaje realizado a Robert Fripp en el que el comentó que utilizaba una o dos tomas para realizar sus partes de guitarra y el periodista le comenta algo así como que era un genio por ello a lo que él responde: ‘para nada, si no se lo que voy a tocar voy a mi casa lo estudio y vuelvo cuando lo sepa’.

Por supuesto, esta es una de las grandes ventajas de trabajar en un estudio casero. Podemos disponer de cientos y hasta miles de horas para experimentar todo lo que queramos ya que no estamos pagando ese tiempo. De todas formas siempre es bueno decidir un tiempo límite o tope ya que sino puede caerse en el vicio de no terminar nunca un trabajo, y no hay mejor trabajo que aquel que se termina.

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viernes, 30 de octubre de 2009

Show Suspendido


Los Organizadores del Palermo Fest decidieron suspender el event5o por el pronostico de mal tiempo

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jueves, 29 de octubre de 2009

Via Varela cerrando el Palermo Fest



Via Varela en la fiesta de cierre del Palermo Fest en Plaza Armenia - Palermo

Sábado 31 de octubre 19:00 hs. MUY PUNTUAL!!!

próxima fecha 14 de noviembre en Makena

Bondis que te acercan: 15 - 29 - 34 - 36 - 39 - 55 - 57 - 64 - 68 - 110 - 111 -

140 - 151 - 152 - 160 - 161- 166 - 168
- EN SUBTE: Linea "D" estación Scalabrini Ortíz

www.viavarela.com

www.youtube.com/viavarela

www.myspace.com/viavarela

www.facebook.com/viavarela

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martes, 27 de octubre de 2009

Votanos!!!

Les pido a TODOS los lectores del blog que hagan el pequeño esfuerzo de votanos en lo que queda de octubre para ser elegidos blog del mes en Blogs con Eñe.

Solo deben seguir el link VOTAR y al final de la página ingresar nombre, mail y el número 22.

GRACIAS!!!!!!!

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Chord Melody

El Chord Melody es una técnica típica de la guitarra de jazz que consiste en tocar una melodía armonizada, dicho de otro modo sería tocar melodía y armonía simultaneamente. La técnica es una forma de aproximarse a un concepto que salta entre lo pianístico y el bloque donde cada nota de la melodía es armonizada generando armonías mas complejas.

Comunmente en los momentos que no se toca la melodía la guitarra de chord melody toca simultaneamente una línea de bajo (walking) y armonía. Esto puede servir como excelente base en duo de guitarra y voz. Busquen en youtube Ella Fitzgerald y Joe Pass y disfruten.

El vídeo que les dejo es de Joe Pass interpretando el clásico de Duke Ellington Satin Doll.


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domingo, 25 de octubre de 2009

Blues

El blues es una de las formas musicales surgidas del encuentro que se produjo en toda América entre las culturas europea y africana.

Su forma básica es de 12 compases y utiliza los grados I, IV y V de una escala mayor con la particularidad de que a todos ellos se les agrega las 7ª menor (tensión que exceptuando el caso del 5º grado es ajena a la escala) siendo una de los pocos casos en los que una acorde de 7ª dominante se utiliza como tónica.

Otra particularidad del Blues es que comunmente se utiliza para improvisar la escala pentatónica menor aun sobre una progresión de acordes mayores a la que usualmente se le agrega la 5ª bemol (blue note) para completar una escala de seis notas conocida como escala de blues. La escala resultante incluye los grados I - B3 - 4 - b5 (blue note) - 5 - b7.

Para no extenderme demasiado en este post llego hasta aquí y les dejo 3 vídeos donde pueden apreciar 3 formas de blues muy distintas. En el primero el guitarrista Emily Remler nos deja apreciar un concepto jazzístico de blues. En los siguientes vídeos vemos a Albert Collins y a Billy Gibbons con otro tipo de acercamiento al blues.







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En el estudio: V - Planificación del audio

Si estamos encarando la grabación de un disco es conveniente charlar con el técnico y mostrarle ejemplos del sonido que pretendemos obtener. Lo mejor en estos casos es alcanzarle grabaciones de bandas que se aproximen al sonido deseado, obviamente me estoy refiriendo al concepto sonoro y no musical que es algo que no depende en absoluto del técnico. En este punto es importante escuchar los comentarios del técnico acerca de la posibilidad o no de esa sonoridad con los elementos disponibles y no encapricharnos con aquello que no se pueda conseguir (recuerdo una grabación con Mariano López donde le acerque una grabación de acústicas de Tom Petty pidiéndole obtener ese sonido en la grabación de mis guitarras a lo que el me respondió ‘bárbaro conseguí el estudio en Los Ángeles mas los pasajes y lo grabamos’).
También es importante diferenciar el sonido característico de un instrumento del de un instrumentista (no es lo mismo el sonido de una PRS que el de Santana usando una PRS).

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sábado, 24 de octubre de 2009

Hey Bulldog!

Hay pocas oportunidades de ver a los Beatles trabajando. Lamentablemente en aquella época aun las camaras no habían inundado la vida diaria de las estrellas de rock.
En este vídeo del single incluido posteriormente en la banda sonora de la película Yellow Submarine, podemos verlos grabando y divirtiendose.

Harrison usa una Gibson SG con humbuckers y tremolo bigsby (les recuerdo que en aquella época era común la SG con P90 con usaba Pete Townshend de The Who). Lennon aparece con su Epiphone Casino antes de ser despintada tal con se la ve en los vídeos de Let it be aunque no estoy seguro de que realmente la usara en la grabación de este tema.

Por lo demás lo vemos a Paul usando su Rickembacker y tocando las panderetas, Lennon al piano y ringo en batería.


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En el estudio: IV - Producción

Cada vez veo menos valorado el rol del técnico de grabación y el del productor artístico. Lo cierto es que para el éxito de una grabación es necesario coordinar un montón de acciones, de índole técnico (toma de sonido y posterior mezcla), y artístico (elección del repertorio, arreglos, estructura de los temas, elección de músicos en caso de un solista, etc.) además de la elección del o los estudios, el manejo general del presupuesto, y la capacidad de tener en la cabeza el proceso completo de grabación para tomar decisiones acertadas en el momento indicado. Rara vez una persona afectivamente comprometida con su propia obra esta en condiciones de tomar estas decisiones. Por otra parte y especialmente en el caso de las bandas es necesario una persona externa que pueda en todo momento anteponer la obra al ego de sus realizadores.


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martes, 20 de octubre de 2009

Grooveando



Les dejo este fragmento de la versión de Midnight Rambler incluida en el concierto Arena de Forty Flicks de los Rolling Stones. Puede apreciarse a una banda grooveando e improvisando base. Observen la comunión entre guitarras bajo y batería. el sutil acompañar del piano. Hacia el segundo 48 del vídeo se ve claramente a Jagger mirar a Richards para saber si es ahi donde debe entrar a cantar o todavía seguirá el groove.

Puse solo este fragmento donde groovean a la mitad con un sentimiento de blues. La versión completa dura como 14 minutos y me pareció demasiado larga ya que quería especialmente remarcar este pasaje.

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Focus



Focus es una banda de rock holandesa formada en el año 1969 por cuatro músicos de formación clásica: el pianista y flautista Thijs Van Leer, el guitarrista Jan Akkerman, el bajista Martin Dresden, y el batería Hans Cleuver.

Van Leer y Akkerman son quienes han llevado adelante la parte compositiva del grupo siendo generalmente música instrumental, aunque no carente de voces.

Si bien encontramos a Focus dentro de los catalogos del rock progresivo esta banda ha sabido fusionar el mundo clásico, el rock, y la música tradicional europea como puede verse en el detalle de canto tirolés de su clásico Hocus Pocus.


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jueves, 8 de octubre de 2009

Comunicado Nº...

A todos los seguidores del blog les cuento que con motivo de acercarse el segundo aniversario de creación del mismo, estoy trabajando en el nuevo diseño.

Algunos cambios (como el de la barra que se desplazo de izquierda a derecha) se irán incorporando poco a poco.

Pido disculpas por las molestias que puedan surgir endemientras.

gracias

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viernes, 2 de octubre de 2009

Kelly Joe Phelps



Ayer mientras hablaba con mi amigo el guitarrista Jorge Senno acerca del finger picking me mencionó a este guitarrista del cual yo no tenía ni noticias.
Les dejo un vídeo para que lo escuchen y vean.

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sábado, 26 de septiembre de 2009

Calentando motores

Antes de comenzar una rutina de estudio con nuestro instrumento es fundamental calentar y elongar los músculos con los que trabajaremos. Esto implica muchas veces relajar zonas tensas como pueden ser cuello, hombros y espalda.

Esto es de suma importancia ya que nos permitirá trabajar a fondo y exigiendonos sin lastimarnos.

Les dejo un pequeño vídeo extraido del DVD Rock Discipline de John Petrucci donde podemos ver de que manera calentar nuestros músculos antes de comenzar con una rutina de estudio.

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En el estudio: III - instrumentos

Cada instrumentista debe garantizar un excelente funcionamiento de su instrumento, equipo, cables y todo otro elemento que vaya a utilizar en la grabación. Es aconsejable enviar instrumentos a un luthier con cierto margen de tiempo ya que muchas veces un calibrado general y profundo del instrumento puede generar alguna cierta incomodidad en él (quedo muy duro, muy blando, las cuerdas bajas, etc.) y es necesario disponer del tiempo para reveer y corregir estas incomodidades.
En muchos casos es aconsejable conseguir, ya sea pidiendo prestado o alquilando, instrumentos/equipos de mayor calidad a los que se posee. Por otra parte si necesitamos cambiar de sonoridad es preferible cambiar de instrumento a estar jugando con ecualizadores y/o procesadores para conseguir esto mismo de manera artificial (si en un tema busco un sonido Beatle para una guitarra nada mas simple que conseguir una Rickembacker que posee exactamente ese sonido).

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jueves, 24 de septiembre de 2009

Stefan Grossman: Blues acústico



Stefan Grossman es una referencia indiscutida dentro del blues acústico y el fingerpicking. Esta particular técnica permite desarrollar simultaneamente líneas de bajo y melodías junto con una sonido punzante y con gran ataque asociado normalmente al uso de púa o plectro.

Grossman ha editado numeroso material en formato Libro y DVD donde enseña el uso de ésta técnica junto a afinaciones abiertas algo muy característico dentro del estilo de blues acústico.

En este pequeño vídeo nos muestra como tocar un blues en Mi Mayor utilizando la afinación estándar. Aún a quienes no interese el estilo recomiendo ver y escuchar el vídeo, hacia el final lo vemos al maestro tocando un blues de principio a fin. Imperdible!!!

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sábado, 19 de septiembre de 2009

Flamenco: Mano derecha - primeros pasos

Les dejo un vídeo donde se puede apreciar en detalle los primeros movimientos básicos que ha de realizar la mano derecha para poder ejecutar correctamente un rasgueo en el estilo flamenco.

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viernes, 18 de septiembre de 2009

Via Varela en Libario Bar

Photobucket

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Lonnie Mack



Lonnie Mack es un guitarrista de rock, blues y country nacido en Indiana, Estados Unidos, en el año 1941. Ha realizado grabaciones junto a reconocidos artistas como ser The Doors, James Brown, Freddie King, Joe Simon, Ronnie Hawkins, Albert Collins, Roy Buchanan, Dobie Gray and the sons of blues legend Arthur "Big Boy" Crudup, y ha contado con Stevie Ray Vaughan como segunda guitarra.

Les dejo un pequeño vídeo donde lo vemos con su guitarra acústica interpretando su clásico Oreo Cookie Blues.

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martes, 15 de septiembre de 2009

Andy Timmons nos muestra sus equipos

Andy Timmons es un guitarrista norteamericano que ha tocado en bandas como Danger Danger y Pawn Kings, grabado varios álbumes como solista y ha trabajado como guitarrista de sesión. En esto último destaca su colaboración en Cd's con artistas como Simon Phillips, Olivia Newton-John, Kip Winger, Paula Abdul, Paul Stanleyentre muchos otros. También fue convocado por Steve Vai y Joe Satriani (como invitado en sus giras G3 en Dallas).

Andy ha sido constantemente votado como uno de los "20 Guitarristas Favoritos" en la mayoría de revistas de rock japonesas, y también como "Músico del año" cuatro años en la lista del aclamado Dallas Observer Music Awards. También es uno de los más respetados y solicitado representante de la marca Ibanez en sus clases maestras y en giras por el mundo en nombre de la firma.

En youtube podemos encontrar el siguiente vídeo de 30 minutos de duración donde Andy nos muestra exhaustiva y detalladamente sus equipos.

parte 1/3

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sábado, 12 de septiembre de 2009

En el estudio: II - emulando

Escucho muchas veces hablar maravillas de programas como Amp Farm, Guitar Rig, Amplitube, pods y demás.

He realizado la experiencia de grabar en un estudio mi guitarra utilizando varios de los equipos que estos programas o aparatos dicen emular y simultáneamente procesarla con sus respectivas emulaciones para realizar la comparación y la diferencia es abismal.

Cierto es que también es abismal el costo del estudio que me permite grabar con un Marshall mas un Vox a todo volumen (mas probablemente el alquiler de estos equipos) al de grabar por línea en casa y procesar emulando luego.

Por otra parte si bien los emuladores de hoy día pueden emular las características tímbricas y tonales de equipos y efectos de manera bastante convincente, tienen una gran limitante que posee todo equipo digital y es su incapacidad de manejar los desbordes. Esto hace que sus circuitos vengan limitados y comprimidos para su protección y esto mata completamente la dinámica de toque. Como resultado el sonido será igual si toco suavemente que si toco fuerte.

Si bien puede parecer algo menor, pensándolo un poco es una de las cosas que más distingue a un guitarrista de otro, su toque personal, su pulsación, su forma de golpear las cuerdas. Es por este motivo que normalmente no soy amigo del uso de tales aparatos, ya que su fortaleza radica en su bajo costo, su practicidad (muchos sonidos en un pequeño artefacto) y su transportabilidad, a costa de perder en lo que hace a la personalidad sonora del instrumentista, es decir su arte.

Concluyendo como iremos viendo en muchos de los puntos de estas notas nos encontraremos siempre con el costo de una lado de la balanza contra la calidad del sonido en la otra. La decisión en cada caso dependerá de nosotros.

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de fusas y sartenes

Los invito a visitar mi nuevo blog de fusas y sartenes en el que publicaré despreocupadamente los temas que me vengan en gana sin tener que limitarme a una temática específica como en el caso de este.

Como podrán notar a partir del título la cocina y la música serán temas frecuentes en sus posteos.

gracias y perdón por la intromisión.

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jueves, 10 de septiembre de 2009

En el Estudio: I - pro vs. home

Es importante saber que si bien en nuestro hogar podemos disponer del mismo software de grabación que en un estudio profesional, sea esto pro-tools, nuendo, digital performer, etc, resulta normalmente imposible disponer de una variedad de micrófonos, pres, compresores y demás equipos de alta calidad y mas aun de una recinto acústicamente conveniente lo cual es necesario y de suma importancia a la hora de tomar el sonido.

Si bien es cierto que podemos grabar sin problemas teclados MIDI o guitarras eléctricas para luego usar emuladores es claramente imposible grabar una batería acústica, un set de percusión o una sección de vientos completa.

El estudio hogareño nunca tendrá la calidad de un estudio profesional lo que a menudo sucede es que si cuento con un presupuesto acotado es probable que me rinda mas un estudio montado en mi casa en el cual pueda hacer y rehacer las cosas tosas las veces necesarias hasta quedar satisfecho, y en esto podemos estar hablando de miles de horas de grabación a lo largo de varios meses y hasta años, que un estudio de primer nivel en el que tenga que resolver todo en 48 horas.

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martes, 8 de septiembre de 2009

Vota a Via Varela para el Pepsi Music

Hola hoy no escribo un artículo sino que les pido su colaboración.

Necesitamos tu voto para tocar en el Festival Pepsi Music.

tienen que entrar a http://sonica.speedy.com.ar/concurso/pepsimusictour09
buscar: Via Varela y Votar.

El sistema les va a pedir que se registren pero es solo cuestión de 1 minuto.

Se acepta 1 voto diario por usuario, por cada voto suman una chance para ganar una Gibson Melody Maker.

Pueden escuchar la banda en myspace y ver nuestros vídeos en youtube

GRACIAS!!!

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domingo, 6 de septiembre de 2009

Johny Winnter



Quienes estén interesados en conocer mas datos de la biografía de Johnny Winter pueden visitar http://johnnywinter.net/bio/ sitio oficial del músico. Por mi parte solo les digo que se trata de un genial guitarrista de blues nacido en Beaumont (Estados Unidos) en 1944.

Podemos escuchar a Winnter interpretar maravillosos blues tanto en guitarras eléctricas, acústicas, dobros y slide.

Hacia fines de los años 60 Winnter ya era una leyenda. En el vídeo vemos una actuación en televisión del año 1970.

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Ley de Medios Audiovisuales

Los músicos y organizaciones representativas de la actividad musical en todo el país, consideramos que la nueva Ley de Medios Audiovisuales presentada en diputados el día 27/8 tiene aspectos muy positivos, que ayudarán a la difusión de música Nacional y a la democratización de la información en la Argentina.

Pero también observamos con preocupación la ausencia de fondos asignados para el fomento de la actividad musical, ya que en su Art 88 (Destino de los fondos Recaudados) el Cine recibe un 40% , el Teatro un 10% y la Música tiene asignados 0$, aún siendo este lenguaje cultural el más utilizado en la programación y artística de los medios Audiovisuales.

Este punto ya había sido planteado en mas de 10 foros en las distintas provincias del país.

Realizamos un llamado a todos los legisladores que votan esta ley para que modifiquen el artículo 88 e incluyan un fondo de fomento no menor al 20% a la música argentina. El mismo sería administrado transitoriamente por la autoridad federal de comunicación hasta tanto se apruebe una norma específica.

mandá tu adhesión al mail: musicaenlaley@yahoo.com.ar

"Por la Ley Nacional de la Música"


Para mas información entrá a : www.musicosconvocados.com


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En el estudio: Presentación

El estudio de grabación es el lugar donde la canción adquiere su forma definitiva o al menos la que mayor cantidad de gente considerará definitiva ya que será la que pueda reproducir una y otra vez.
Este pensamiento muchas veces nos llena de nervios a la hora de entrar al estudio a grabar. Hoy día con las nuevas tecnologías podemos realizar grabaciones de cierta calidad en nuestros propios hogares y este recurso es muy recomendable a la hora de la realización de demos y maquetas y también como una forma de poner en práctica la actividad de grabar en si misma.
Antiguamente debido al alto costo de la hora de grabación en un estudio, sucedía que muchísimos músicos entraba pocas veces en su vida a un estudio de grabación y por ende en ésta actividad se sentían siempre principiantes. Si bien la tecnología hogareña no reemplaza realmente al estudio de grabación, si permite que para muchos de nosotros grabar sea una actividad cotidiana y por ende mucho mas relajada.
A lo largo de este mes iremos presentando artículos que pretenden ayudarnos a encarar la ardua tarea de grabar nuestras canciones.

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sábado, 5 de septiembre de 2009

Mano derecha y sonido II

Palm Mute

Todos conocemos la técnica de mutear cuerdas apoyando la palma de la mano derecha (izquierda para los zurdos) sobre el puente generando un leve asordinamiento de cuerdas.

Si bien en vivo esta técnica no suele presentar grandes dificultades, siendo detallistas en el estudio podemos notar que no todas las notas suenan con un asordinamiento exactamente igual. También puede suceder que querramos tocar algún pasaje que sea particularmente difícil de lograr ya que el tener la mano apoyada sobre el puente el movimiento de esta se ve algo limitado.

Un buen truco a la hora de grabar consiste en mutear las cuerdas colocando esponjas entre la madera y las cuerdas a la altura del puente. Probablemente debamos experimentar un rato hasta encontrar la cantidad de esponja que mutee las cuerdas, no se caiga, y no desafine la guitarra. En este aspecto es aconsejable que la esponja sea lo mas fina posible para que el punto de apoyo de la cuerda no se aleje demasiado del puente. De todas formas es aconsejable reafinar el instrumento y chequear a lo largo del mástil la confiabilidad de la afinación.

Una vez encontremos el punto, podremos tocar con la mano derecha libre y con todas las notas sonando exactamente igual de muteadas.


Les dejo un vídeo donde Andy Summers muestra y explica esta técnica aplicada a la estrofa del tema De Do Do Do De Da Da Da.



ver Mano derecha y sonido

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martes, 1 de septiembre de 2009

Hang



El Hang es un instrumento de percusión de origen suizo que aun no cuenta con 10 años de existencia.
Este instrumento que se parece bastante a un ovni cuenta con pequeños círculos (1 arriba en el centro y 7 alrededor) que al golpear en ellos nos proveen de cada una de las notas de una escala mayor.
Los hay afinados en distintas tonalidades y se puede completar sonidos faltantes teniendo mas de uno. Les dejo el vídeo de arriba para que lo disfruten.

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domingo, 30 de agosto de 2009

Conciertos: X Chequeo de materiales

En realidad este debería ser el primer punto en la lista. Es muy importante antes de salir de la sala de ensayo chequear que estamos llevando todos los elementos que necesitamos, cables, instrumentos, pedales, equipos, cuerdas de repuesto, etc.

Es una buena costumbre chequear y mantener la salud de nuestros cables, que estos sean de buena calidad y por supuesto siempre llevar de repuesto, al igual que cuerdas, correas y todo otra cosa que pueda servir para sacarnos de un apuro a la hora del show. Esto suele incluir incluso guitarras de repuesto para no detener el show si es necesario cambiar una cuerda.

Con este artículo doy por concluida la serie de notas dedicadas al sonido a la hora de realzar un concierto.

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sábado, 29 de agosto de 2009

Conciertos: IX Instrumentos acústicos

Las guitarras u otros instrumentos acústicos siempre es aconsejable tomarlos con micrófonos de condensador por su mayor sensibilidad y fidelidad. Este mismo motivo es lo que los hace prácticamente inusables o al menos altamente conflictivos en escenarios muy pequeños o con mucho volumen. Deberemos decidir entonces: si priorizamos la calidez y naturalidad sonora de un instrumento acústico, usaremos micrófonos de condensador sabiendo que deberemos mantener un volumen bajo sobre el escenario. Si por el contrario lo nuestro es el sonido potente de amplificadores al mango sumado a un baterista que la rompe y demás etcéteras decibelicos, usaremos instrumentos acústicos con micrófonos piezoeléctricos sabiendo que sacrificaremos parte de su natural dulzura. Aun así es probable que tengamos problemas de acoples por lo que será de suma importancia el armado del escenario procurando alejarlos lo mas posible de las fuentes de mayor volumen.

El bandoneón es uno de los pocos casos que puede funcionar con micrófonos dinámicos.

Una forma de evitar acoples en guitarras acústicas es tapando la boca. Existe un implemento diseñado especialmente a tal fin que es un tapón de goma que encaja justo en la abertura de la boca (si nuestra guitarra tiene una abertura de tamaño standart) aunque el instrumento sufre algunas molificaciones tímbricas. Otra opción es tapar la boca con contact transparente y según he leído por ahí (aunque nunca lo probé) también sirve rellenar la caja con esponja.

Como conclusión podemos ver que la eléctricidad y lo acústico no van de la mano al menos en escenarios pequeños y/o con sonidos modestos.

ver también Conciertos: X Chequeo de materiales

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jueves, 27 de agosto de 2009

Stevie Ray Vaughan: Acústico



Les dejo este vídeo para recordar al genial Stevie Ray Vaughan a 19 años de su muerte. En esta oportunidad nos obsequia con su voz, su arte y su tema Pride and Joy.

Pueden observar con que genialidad es capaz de ser base y solista simultaneamente.

Stevie te seguimos escuchando!!!!

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martes, 25 de agosto de 2009

Acerca de las confusiones:

Este pobre muchacho quería estudiar piano. Al parecer alguien (él o sus padres me es imposible saberlo) confundió este deseo. Aquí los confusos resultados...

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lunes, 24 de agosto de 2009

Círculo de Guitarras de Buenos Aires



Quienes estén en Buenos Aires y nunca hayan escuchado tocar a un Círculo de Guitarras tiene una excelente oportunidad de hacerlo este jueves 27 de agosto en Templum, Ayacucho 318 a las 21:30 hs.

El Círculo comenzó sus actividades en 1994 como Ensamble de Guitarras en Buenos Aires, a partir de los primeros cursos de Guitar Craft en Argentina, utilizando la Nueva Afinación Estándar(NST), adoptada inicialmente por Robert Fripp y posteriormente por destacadas agrupaciones como The League of Crafty Guitarists, California Guitar Trio, Los Gauchos Alemanes, Big Time y Zum entre otros.

Desde entonces el CGBA, ha pasado por diversas formaciones, siempre trabajando de forma acústica o amplificada. Han desarrollado un variado repertorio de temas originales, así como arreglos de autores de distintos géneros que van desde los Beatles a Piazzolla, incluyendo piezas de The League of Crafty Guitarists.

Además de las actuaciones que realizó en Buenos Aires por ejemplo: El Living, Templum, La Fábrica, Auditorio Agronomía, El Globo, colegios, teatros, geriátricos e iglesias, el CGBA participó en diversos workshops y ciclos de trabajos especiales relacionados con la música, realizando proyectos y performances junto a músicos de renombre internacional tanto en Argentina, España, Alemania e Italia.

Algunos de sus integrantes actuales son miembros de The League of Crafty Guitarists, agrupación que estuvo de gira el año pasado junto a Robert Fripp en el ND Ateneo y otros lugares de Argentina.

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sábado, 22 de agosto de 2009

Conciertos: VIII Prueba de Sonido

Este es en definitiva el momento decisivo de como sonará el show. Es importante que la prueba sea ordenada y organizada. En primer término, si se cuenta con ecualizadores para realizar correcciones acústicas dejaremos al sonidista trabajar solo y tranquilo (esto sucederá solo en sonidos grandes), luego se probará por separado cada instrumento (en el caso de gente que toque mas de uno se asegurará de probar todos los que use aunque solo sean distintos tipo de guitarra), mientras duren las pruebas individuales nadie mas debe estar haciendo ruido y es deseable que tampoco haya gente sobre el escenario dando vueltas ni desconcentrando al músico que prueba sus cosas. En este momento chequearemos nuestro sonido principal sin detenernos en ningún sonido puntual que solo suceda en un momento determinado. Cuando todo este seteo este listo comenzaremos con la prueba general de la banda. Primero probaremos un tema que sea digamos de lo mas característico de nuestro sonido y luego los extremos (el tema mas pesado y ruidoso y el tema mas suave que tengamos) si algún músico necesito alguna prueba extra para probar algún detalle sonoro o efecto será entonces el momento de hacerlo. Si se trata de varias formaciones (por ejemplo dentro del mismo show suceden momentos acústicos con un dúo, un trío, un cuarteto y otros momentos con banda) nos aseguraremos de hacer todas las pruebas necesarias. De esta forma no habrá sorpresas durante el show.

ver también Conciertos: IX Instrumentos acústicos

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jueves, 20 de agosto de 2009

Escala Pentatónica

Las escalas pentatónicas son llamadas así por estar construidas a partir de cinco sonidos. Aparecen en la música folclórica de numerosas culturas y datan de una gran antigüedad.

La escala pentatónica mayor, está construida a partir de los sonidos 1,2,3,5, y 6 de la escala mayor diatónica que es la base del sistema tonal clásico europeo.

Esto seria en la tonalidad de Do Mayor: Do - Re - Mi - Sol - La.

Junto con su quinto modo: La menor: (La - Do - Re - Mi - Sol) constituye las escalas mas popularmente usadas para improvisar dentro del blues y el rock.

Lo notablemente curioso es la presencia de estas escalas en la música de la India, música japonesa, y hasta las músicas andinas que descienden de los Mayas.

Como veremos en el próximo vídeo en el marco del World Science Festival, en una conferencia, con el título "Notas y neuronas: en busca del coro común" que intentaba descifrar si nuestra respuesta a la música viene "de fábrica", o si está culturalmente determinada, y si la reacción al ritmo y la melodía es universal o influenciada por el medio ambiente, Bobby McFerrin llevó a cabo el siguiente experimento basado en la escala pentatónica y que demuestra la universalidad de la misma.



Aunque personalmente no se me ocurre a que conclusión podríamos llegar no dejarán de notar lo sorprendente del experimento en el cual la audiencia por si sola conoce y puede cantar la escala.

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miércoles, 19 de agosto de 2009

Paul McCartney: parte 2

Para los que no vieron el comienzo de este post buscar Paul McCartney (parte 1).

Lo que aquí se ve es básicamente a Sir Paul McCartney grabando una canción íntegramente. Los menos avanzados se centrarán posiblemente en ver las partes individuales de guitarras, bajo y batería. Los mas avanzados podrán apreciar la forma de encarar una grabación primero el boceto de referencia (acústica y voz en este caso) que bien puede llegar o no a toma final. La base luego. Batería y bajo. Las guitarras y demás arreglos luego. Si bien el vídeo no llega al proceso final por último se grabarán coros y voz leads. Luego de esto sigue el proceso de edición, mezcla y por último mastering.

También podemos apreciar como graba la intro del tema al final, ya que con la magia de la era digital y el cut & paste ya no es necesario grabar secuencialmente la canción de principio a fin.

Los mas avanzados aun, podrán apreciar aun mas al ver la sencillez en los arreglos y la producción detallista que logran con una increíble economía de recursos un tema contundente y elaborado a partir de elementos por demás simples.

Parte 3/4


Parte 4/4


perdon por los pequeños desfasajes audio - imagen que se aprecian en algunos tramos.

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martes, 18 de agosto de 2009

Conciertos: VII Necesito mas volumen!!!!!!!!

Los guitarristas y nuestro volumen solemos ser un tema de discusión sobre el escenario (y en realidad en casi cualquier lugar que estemos). Muchas veces sucede que ambas partes tienen razón (estas son el guitarrista que insiste en que no se oye y el resto de la gente presente en el lugar que reza por no quedar sorda).

Aquí hay varios puntos a tener en cuenta 1) los equipos valvulares rinden al usarlos a su máxima potencia o al menos lo mas cerca posible a ella, con esto quiero decir que al subir el volumen no es solo el volumen lo que sube sino que la presencia del sonido y hasta el timbre es otro. Los guitarristas necesitamos de esa garra que el equipo entrega a ese volumen. En este sentido el consejo para quienes compren un equipo valvular de 100watts es que tengan presente donde lo van a usar ya que rinde mas un equipo valvular de 30wats o 50 wats que podamos usar al mango que uno de 100watts con el volumen en 4 ( una lágrima!) lo ideal seria tener uno para cada ocasión pero bueno esto es algo económicamente difícil.

Otro tema es el bafle cerrado. Esas hermosas cajas Marshall de 4 parlantes cada una que usaba Hendrix de a 8 fueron diseñadas en épocas donde los P.A. aun no existían y el equipo debía llegar a oídos de toda la audiencia (que era mucha y en espacios abiertos) con esto quiero decir que son parlantes que escupen el sonido lejos. Si uno se para al lado de un bafle Marshall es una realidad que no se escucha mientras el resto de la gente presente (que esta a unos metros y no al lado) literalmente nos considere un carnicero sordo que pretende volarle los tímpanos). Aquí solo les resta experimentar, en mi caso me he fabricado una caja abierta de 2 parlantes con la que me escucho cómodamente sin que nadie me odie aunque es cierto estas cajas suelen tener una menor respuesta de graves como dije arriba experimentar es la solución. Punto importante: Asegurarse que en el escenario la caja me apunte a mi. Punto mas importante aun: asegurarse que la caja por ningún motivo y sin excepción apunte al cantante.

ver también: Conciertos: VIII Prueba de Sonido

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sábado, 15 de agosto de 2009

Conciertos: VI Posición del micrófono en equipos:

Les recomiendo experimentar ustedes mismos donde colocar el micrófono para tomar el sonido del parlante de su equipo. Es bastante común que el sonido lo ponga de una forma que si bien no es incorrecta no es la que a mi mas me gusta. Los parlantes entregan un sonido brillante y filoso en el centro del como haciendo el sonido mas grave y con cuerpo a medida que nos alejamos hacia el borde. El centro entre estos dos puntos suele ser un buen lugar donde el sonido tiene suficiente cuerpo y algo de brillo. En lo personal me gusta ubicar el micrófono en este punto inclinado 45º hacia el borde del parlante. La mejor forma para que averigüen esto es que puedan grabarse moviendo el micrófono para luego escuchar las diferencias de sonido y elegir cual es su favorito.
Por suerte cada vez se ve menos pero el mic colgando del cable apuntando hacia el piso es una pésima opción. Si alguien les setea así el mic les aconsejo asegurarse de cambiarlo de posición y desconfiar del sonidista.

El mic mas comúnmente usado para tomar el sonido de un equipo de guitarra es el shure SM57 aunque también sirve el SM58. El Senheisser MD421 es también una excelente opción aunque rara vez lo he visto en un set de sonido en vivo por estos lares (mucho mas común en estudio).
Guitarras eléctricas por línea es algo que realmente desaconsejo, emuladores y demás (me refiero a utilizarlos solos conectados a línea), en fin cada quien con sus gustos y obviamente el estilo pesa en esto pero si la banda tiene volumen sobre el escenario olvídenlo.

ver tambien: Conciertos: VII Necesito mas volumen!!!!!!!!

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viernes, 14 de agosto de 2009

Stevie Ray Vaughan: Sin Palabras

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Adios Les Paul

Lester William Polsfuss (1915-2009) gran guitarrista responsable de un gran número de innovaciones dentro del mundo de la música. Fue junto con Gibson el responsable del diseño de la guitarra que lleva su nombre (Les Paul) una de las mas famosas y usadas en la historia de la guitarra eléctrica.

También fue uno de los pioneros en cuanto al desarrollo y uso de las grabaciones multipistas.

Les dejó un vídeo para que lo recordemos haciendo aquello que fuera su pasión en vida. Tocar la guitarra. Con una Les Paul por supuesto.

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jueves, 13 de agosto de 2009

Paul McCartney (parte 1)

La generosidad de este hombre no tiene límite. No conforme con regalarnos muchas (muchísimas) de las mas bellas melodías de la historia de la música, nos deja entrar en su cocina para ver los secretos de sus creaciones. El espíritu de los Anthology fue precisamente ese para todos los que sepan ver y escuchar.

Encontré en internet estos 4 vídeos (que publicaré en dos partes) donde nos enseña a tocar el tema Ever Present Past de su album Memory Altmost Full. Algunos verán en estas lecciones la simplicidad de sus partes y podrán aprender del propio Paul como si se tratará de un profesor de barrio. Otros, los mas expertos, podrán visualizar la maravillosa perfección en la simpleza de sus arreglos. Serán estos últimos quienes encontrarán una suerte de Master Class respecto de como producir una canción.

Los dejo con Sir Paul McCartney que se los explicará mucho mejor que yo.

parte 1/4


parte 2/4


PD: algunos tramos del vídeo tienen el audio ligeramente desplazado.
PD2: sigue en Paul McCartney: parte 2

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miércoles, 12 de agosto de 2009

Conciertos: V Monitoreo

Si bien lo ideal es tener una mezcla de monitores por cada músico, esto es algo que lamentablemente nunca sucede o al menos muy ocasionalmente. A la hora de compartir la mezcla es importante que tengamos claro que si no nos escuchamos mas o menos cómodamente TODOS LOS DE LA BANDA estamos en un serio problema. Por este motivo es que debemos hacer grandes concesiones a la hora de armar una mezcla de monitoreo para todos o compartida por muchos teniendo en cuenta que el monitoreo es algo utilitario y no necesariamente placentero. Con esto quiero decir que en la mezcla de monitores yo debo escuchar lo que ‘necesito’ y no lo que ‘me gustaría’. Todo aquello que no sea imprescindible debe desaparecer de los monitores. Cada guitarrista, bajista se escuchara a si mismo por su propio equipo, los teclados suelen ser conflictivos en este punto ya que normalmente no tienen equipo propio sobre el escenario y no tienen otra forma de escucharse a si mismos que por el monitoreo. Tal vez si solo hay 2 mezclas de monitores convenga darle una solo para el tecladista. Cada uno piense mentalmente sus prioridades de escucha. La voz (es la melodía de la canción) la base (Bajo y Batería) y su propio instrumento.

Teniendo en cuenta esto de disponer de una sola mezcla para todos yo pondría en esta bajo y voz (la batería la escucharemos de todas formas) instrumentos acústicos o teclados si los hay y no disponen de equipo de escenario. Y setearía los volúmenes de los equipos sobre el escenario para que cada quien se escuche así mismo. En el centro del escenario (donde usualmente se para el cantante) deberían llegar a nivel parejo todos los volúmenes.

ver también: Conciertos: VI Posición del micrófono en equipos

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martes, 11 de agosto de 2009

Clases de Guitarra

clases guitarra

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lunes, 10 de agosto de 2009

Konnacol

El Konnacol o Konocol es el sistema de enseñanza rítmica sin instrumento utilizado por la música Carnática en el sur de India. El mismo se basa en el uso de patrones rítmicos preestablecidos. Los patrones pueden ser de 1, 2 o mas sonidos y están representados por distintos vocablos. Es muy común que los percusionistas indios incluyan pasajes rítmicos cantados sin instrumento que consiste justamente en el uso de este sistema.

En el año 2007 el guitarrista John McLaughlin, quien ha venido utilizando este sistema en sus composiciones e improvisaciones a lo largo de mas de 30 años, editó junto al notable percusionista indio Selvaganesh Vinayakram un DVD, Gateway to Rhythm, en el que nos enseñan el sistema Konocol y su aplicación en la guitarra.

Les dejo un vídeo con los primeros minutos del DVD.

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Conciertos: IV Armado del escenario

Para favorecer el balance del sonido sobre el escenario es importante tener en cuenta el armado de la banda. Si hay 2 guitarras siempre sonara mejor estando una en cada costado que las 2 juntas. El bajista debe estar junto al baterista ya que lo ideal es que funcionen como si compartieran el cerebro (ponerlos juntos no lo garantiza pero es una buena forma de recordárselos). Teclados, percusión o cualquier objeto grande y sin movilidad es preferible que este a un costado (estamos hablando de escenarios chicos obvio) cuanto mayor movilidad pueda haber sobre el escenario la banda tocara mas cómoda. Nunca perder de vista que la banda es un equipo y si no estamos todos cómodos el resultado no será el mejor. En este sentido muchas veces deberemos hacer concesiones y en este punto es importante poner prioridades en cuanto que es importante y que no. Personalmente considero que si estamos tocando música lo único importante es el sonido, si quedo de espaldas, en el centro con mucha luz, poca luz, del lado que quería, del otro etc. No es algo realmente importante.

ver tambien: Conciertos: V Monitoreo

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sábado, 8 de agosto de 2009

Conciertos: III Conocimiento de sonido:

Mas allá de tener sonidista propio es importante conocer como funciona un equipo de sonido y cuales son los requerimientos sonoros de la banda.
Esto es: cuantos canales necesitamos en la consola, que potencia es la que pretendemos tener, que tipo de micrófonos usamos (tanto para el cantante como para equipos, batería y todo otro mic que se necesite). Cuales son les efectos y procesadores que usa la banda, cuales nuestras marcas predilectas, cuales nos sirven y cuales no usaríamos por nada del mundo.
Este conocimiento nos permitirá tomar decisiones acertadas cuando las cosas que halla en un lugar no sean exactamente las que pedimos (cosa que sucede en la mayoría de los casos).

ver también: Conciertos: IV Armado del escenario

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Conciertos: II - Sonidista:

Siempre es bueno tener un buen sonidista operando o mejor aun el sonidista de la banda que sabe como debe sonar todo. Es fundamental que el sonidista tenga una lista con los temas que tocaremos donde se le indiquen cambios de instrumentos y todo detalle que consideremos importante (tal tema lleva mas cámara, este va con un delay, etc.).

Es una muy buena costumbre conversar con el sonidista antes del show (me refiero a días o semanas antes) para asegurarnos que este al tanto del sonido que pretendemos obtener. Chequear personalmente el sonido del lugar pidiendo Riders (se escribe asi?) detallados con todo el equipamiento que posee el lugar y en la medida de lo posible chequeándolo personalmente, ya que muchas veces estos pueden ser viejos o estar mal hechos. Tener en cuenta si el sonidista nos comenta que tal o cual cosa no va a ser posible con el equipo que tenemos. Pensar opciones al respecto. En fin intentar no tener ningún tipo de sorpresa en el momento del show.

En el momento del concierto y mas allá de lo que suceda es importantísimo mantener la calma y la buena relación con el sonidista. Si los problemas fueron su responsabilidad nos aseguraremos de no volver a trabajar con el pero eso es algo a resolver posteriormente, durante el show todos amigos.

ver también Conciertos: III Conocimiento de sonido:

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viernes, 7 de agosto de 2009

Breve Historia de la Guitarra

por Paul Dourge.



Para los que quieran les dejo los links de la historia de la guitarra en francés y en ingles

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jueves, 6 de agosto de 2009

Conciertos: presentación

Quiero dedicar una serie de artículos en los que hablaré acerca del concierto o mejor dicho de cómo sonar bien en un concierto y algo muy importante como sentirnos cómodos con nuestro sonido tocando en vivo. Quienes tengan la suerte de ensayar con sus propios equipos llegaran al concierto conociéndolo lo suficiente mente bien como para saber como suena. Los que no, traten de conseguir en lo posible siempre el mismo equipo y no hacer demasiadas pruebas a la hora del concierto, tecnológicamente hablando cuando menos improvisemos en vivo mejor sonaran las cosas o al menos con mayor tranquilidad.

ver también Conciertos: I - Elección del lugar:

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Conciertos: I - Elección del lugar:

El recinto donde se desarrolle el concierto tendrá su propio sonido. En lugares abiertos (donde el sonido se va) o teatros o auditorios (lugares diseñados pensando en su acústica) normalmente no se presentaran grandes inconvenientes. Sucede que muchas veces se toca en sitios que no fueron pensados originalmente para música y su acústica lejos de ayudarnos puede resultar ser un gran enemigo. Los rectángulos de cemento, sótanos, gimnasios, galpones, etc. suelen presentar serios problemas a la hora de hacerlos sonar debido normalmente a su rebote que puede resultar en una cámara incontrolable o en un exceso de determinadas frecuencias (normalmente graves) o peor aun en ambas cosas. La mesura suele ser un factor determinante en estos casos, cuando menor sea el volumen mas amigable será el sonido del lugar. Por otro lado es importante que corrijamos los desperfectos del sitio correctamente, esto es si todo suena grave la solución no será agregar agudos sino quitar graves. Si bien es cierto que la gente absorbe sonido tampoco es un factor mágico, si el sonido es desastroso en la prueba no lo solucionará la llegada de la gente.

ver también Conciertos: II - Sonidista:

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martes, 28 de julio de 2009

Via Varela en Buenos Aires Club

Via Varela en Buenos Aires Club

Por entradas anticipadas enviar mail a anticipadas@viavarela.com

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lunes, 20 de julio de 2009

Sitar

No se si sea por la influencia beatle quienes fueron los primeros en incluir este instrumento en la música occidental (Norwegian Wood- Revolver - 1966) pero lo cierto es que todo guitarrista pasa alguna vez en su vida por el período de querer tocar (o imitar con su sintrumento) un sitar.

Desde el Coral Sitar pasando por la extraña guitarra utilizada por John McLaughlin en sus años junto a Shakti hasta las modernas Variax de Line6 (podemos ver a Adrian Belew utilizar este recurso) nos ofrecen distintas opciones para sonar como este instrumento. Existen también numerosos procesadores que emulan su sonido.

Sin necesidad de gastar dinero, usando nuestra guitarra, podemos utilizar algunos recursos técnicos para lograr un sonido que recuerde a esa sonoridad tan característica que es la del Sitar y la música de la India. Ante todo debemos afinar la sexta cuerda en un tono abajo es decir en Re.
Luego nos dedicaremos a improvisar melodías en la 3ª cuerda utilizando el Modo Mixolidio de Re, es decir Re-Mi-Fa#-Sol-La-Si-Do-Re. También podemos probar con el modo dorico (sería lo mismo pero con Fa en lugar de Fa#). Para comenzar podemos improvisar melodías utilizando corcheas, en los huecos que vayamos dejando rellenaremos con la 6ª cuerda al aire. Es fundamental que la mano izquierda realice vibratos bien pronunciados para imitar la sonoridad del Sitar.

Cuando vayamos bien con esto podemos realzar aun mas el efecto utilizando la 4ª cuerda al aire. Existen dos formas distintas. Una alternando con la 6ª y otra duplicando cada nota de la melodía que vamos improvisando, esta última es mi preferida aunque de mayor complejidad técnica.

En el siguiente vídeo vemos a George Harrison tomando clases de Sitar con Ravi Shankar. Lo notable es que éste fue muy probablemente el comienzo de esta obsesión.

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